Miles Davis "Kind of Blue" vinyl album (Photo by Stefano Chiacchiarini '74 on Shutterstock)
Miles Dewey Davis III était un trompettiste, chef d’orchestre, compositeur et une icône de la musique américaine. Ses interprétations sonores et la nature évolutive de sa musique ont laissé un héritage que peu ont jamais égalé. Découvrir la discographie de Miles Davis révèle un trésor de sonorités. Que vous soyez un fan nouvellement initié ou un fidèle de longue date, nous nous sommes tournés vers nos sources pour découvrir les meilleurs albums de Miles Davis de tous les temps à écouter ensuite.
La musique de jazz peut sembler être une cacophonie de cuivres et de percussions, mais pour une oreille avertie, le jazz est la liberté d’exprimer la musique sans se soucier des conventions. L’essence du jazz est l’improvisation. Des chercheurs de l’Université Drexel ont mené des recherches pour analyser l’activité cérébrale lors de l’improvisation musicale. Ils ont découvert qu’il y avait une plus grande activité du cerveau gauche lors de performances hautement créatives et une plus grande activité du cerveau droit lors de performances moins créatives.
Cependant, cette analyse ne tient pas compte du niveau d’expérience des musiciens. Lorsque les chercheurs ont réanalysé leurs données en contrôlant l’expérience des guitaristes, ils ont constaté que l’activité du cerveau droit domine à la fois lors de performances hautement créatives et moins créatives.
L’activité cérébrale des musiciens classiques et des musiciens de jazz est très différente, même lorsqu’ils jouent la même pièce de musique, selon une nouvelle étude. Tout dépend de la manière dont les musiciens ont été formés et de la façon dont leur cerveau a été “câblé” pour absorber, traduire et créer de la musique.
Alors que l’activité cérébrale des musiciens et des non-musiciens diffère considérablement, il s’avère que le style et l’approche d’un interprète de musique produisent des différences entre les musiciens eux-mêmes. Avec le style unique de ce maître de la musique jazz, choisir les meilleurs albums de Miles Davis n’est pas une tâche facile. Faites-nous part de vos préférés dans les commentaires ci-dessous !
La liste : Les meilleurs albums de Miles Davis, selon les fans
1. “Kind of Blue” (1959)
“Kind of Blue” est un album vinyle de plus de 45 minutes, et il est largement considéré comme l’un des meilleurs efforts de Davis. Bien que “Kind of Blue” ne comporte que cinq pistes, cet album époustouflant possède un héritage très respecté. “Cinq premières prises, toutes des chefs-d’œuvre exquis, trop mélodiques pour se fondre si facilement en arrière-plan, et une ‘première touche’ préside chaque sensibilité créative ; c’est comme cette sensation chatouilleuse de marcher pieds nus sur un trottoir humide. Le changement de tonalité… évoque une série d’images en accéléré de personnes marchant sous une pluie légère, laissant derrière elles des traînées floues d’ombres bruineuses”, déclare Rate Your Music.
“Vénéré par les experts et les fans, irradiant un son résolument contemporain et avec des ventes incroyables pour du jazz, dépassant les 4 millions à ce jour, Kind of Blue – la session enregistrée en 1959 en quelques heures seulement et avec un minimum de répétitions – a changé la façon dont les auditeurs et les musiciens entendaient et faisaient de la musique. Le groupe Milestones, avec John Coltrane et Cannonball Adderley aux saxophones, était au cœur du projet, avec l’élégant pianiste Bill Evans ajouté à l’ensemble. L’utilisation des modes plutôt que des accords de chanson a donné à la musique une dimension éthérée et libre, un espace d’associations qui attire encore aujourd’hui de nouveaux auditeurs vers le jazz”, ajoute The Guardian.
“Peut-être l’album de jazz le plus populaire de tous les temps n’a jamais eu de suite. Aucune. C’est parce que chacun des principaux musiciens en vedette – Miles, Coltrane, Adderley et Bill Evans – a immédiatement suivi des directions entièrement différentes. Miles allait former son nouveau grand quintet qui réinventait une fois de plus le jazz. Bill Evans se consacrait à l’exploration du format piano trio pour le reste de sa vie. Cannonball introduisait la musique gospel et soul dans le jazz moderne. Et Coltrane ? Eh bien, il s’élevait à des hauteurs que peu de gens auraient pu imaginer à cette époque”, partage WBGO.org.
2. “Miles Smiles” (1966)
Cet album soigneusement orchestré s’engage dans une expérimentation poussée avec des signatures rythmiques inhabituelles ainsi qu’une nouvelle liste de musiciens de soutien. “Le groupe avait complètement changé, à l’exception de Davis, par rapport aux musiciens présents sur les albums du Quintet de la décennie précédente. Les musiciens – Wayne Shorter, Herbie Hancock, Ron Carter et Tony Williams – faisaient partie de la scène avant-gardiste du début à la mi-années 60… Et il n’y a probablement pas de meilleur groupe pour représenter ce que cette période était vraiment que le Second Great Quintet de Miles Davis”, selon NPR.
“La section rythmique ici est exceptionnelle. En repoussant les limites de ce que les auditeurs attendaient, ils ont perçu et présenté le pouls d’une manière innovante. La modulation métrique de mesure en mesure continue d’étonner même aujourd’hui. Avec cela en arrière-plan, un soliste aurait pu casser sa trompette en deux et pourtant livrer un excellent solo”, ajoute Vinyl Me Please.
“La dynamique entre les musiciens du quintet est impressionnante, et il y a une énergie indéniable dans les sessions qui est contagieuse, même si c’est certainement un pas de côté par rapport aux morceaux plus mélodiques du début de la carrière de Davis… le morceau d’ouverture ‘Orbits’, écrit par Wayne Shorter, emmène l’auditeur dans l’équivalent auditif d’un manège, avec le quintet se lançant dans l’un des morceaux les plus revigorants de leur mandat”, explique Treble.
3. “Birth of Cool” (1949)
“Birth of Cool” est une collection d’enregistrements qui ont eu lieu lors de trois sessions en 1949 et 1950. “L’album est considéré comme un exemple précoce clé du sous-genre du cool jazz, et il présente certaines des compositions les plus célèbres de Davis, comme ‘Jeru’ et ‘Move’. Le son détendu et discret de l’album est un prélude au style du cool jazz qui deviendra populaire dans les années 1950, et il a influencé d’innombrables musiciens depuis sa sortie”, offre Jazz Valley.
“Le premier des révisions radicales de Davis sur le jazz. En tirant les rênes de la frénésie du bop, Davis assouplit la musique avec lyrisme et espacement”, écrit Rolling Stone.
“Il présente un orchestre inhabituellement large (neuf personnes) pour le style de musique que Miles jouait à l’époque. Cet album a été l’un des premiers à être appelé ‘Cool Jazz’, car contrairement au son grandiose et dansant du swing, et au son rapide du bebop, cette nouvelle musique était plus lente, plus calme et plus détendue”, selon Vinyl Revinyl.
4. “On The Corner” (1972)
Cet album hautement controversé a été critiqué par les critiques à sa sortie pour ensuite être apprécié les années suivantes pour sa complexité et son approche unique. “Un échec controversé à l’époque de sa sortie, ‘On The Corner’ est devenu l’un des albums emblématiques de Miles Davis au cours des quatre décennies suivantes. Un tourbillon unique et sans précédent de free jazz, de funk et de musique électronique (à une époque où ce genre existait à peine), enveloppé dans une pochette jaune vif représentant des personnages de dessins animés blaxploitation, il est aussi assaillant que brillant”, explique Stereogum.
“[On The Corner] est l’album qui a le plus contrarié les fans. Mais voici pourquoi : ‘On The Corner’ est un album de funk. Ce n’est pas un album de funk comme ‘The Meters’, ou même comme ‘Funkadelic’, bien que ce dernier soit un analogue beaucoup plus proche. C’est la propre interprétation sale, méchante et brute de Miles Davis du funk, et même parmi ses enregistrements de fusion les plus audacieux, il est dans une catégorie à part”, explique Treble.
En résumé, “La tentative de Davis de rivaliser sur le même marché que Sly Stone et d’autres artistes qu’il admirait a donné naissance à un funk urbain profond mêlé de textures africaines et indiennes”, selon Rolling Stone.
5. “Porgy and Bess” (1959)
Cet album est l’interprétation de Davis de l’opéra classique de Gershwin. “L’opéra folk de George Gershwin est probablement l’œuvre la plus grande de la musique classique américaine… Miles et Gil Evans réarrangent les chansons, et leur seule amélioration indéniable par rapport à Gershwin est ‘Prayer (Oh Doctor Jesus)’, avec son chœur de clarinettes vibrant qui évoque une humidité étouffante se prolongeant jusqu’à une multitude d’escaliers de secours”, écrit Rate Your Music.
“C’est basé sur une comédie musicale de George et Ira Gershwin qui est essentiellement un opéra folk… ce qui permet à Davis de ‘chanter’ les chansons avec sa trompette… Et étant donné que les chansons adoptent souvent des formes bluesy ou modales, elles correspondent parfaitement à son style, donc il les interprète brillamment”, explique Stereogum.
“Une magnifique adaptation de l’opéra de Gershwin, à quelques sections un peu hésitantes dans l’orchestre mal répété près… avec la trompette de Miles s’élevant au-dessus d’un orchestre arrangé par Gil Evans. Ses exhortations sur les cris de l’orchestre sur ‘Prayer’ et son solo souple et glissant sur ‘Summertime’ se démarquent particulièrement”, explique The Guardian.
